Hawkwind – Warrior On The Edge Of Time: Steven Wilson remix (Atomhenge)
LP
Atomhenge met à disposition pour la première fois le remix 2013 d’un incontournable du rock spatial Hawkwind sur vinyle – avec une pochette gatefold qui se déplie en un bouclier. Nathan Brown écrit.
Warrior On The Edge of Time était une collaboration de 1975 entre Hawkwind et Michael Moorcock. un redémarrage du 50e anniversaire d’Atomhenge plus tard cette année). Il était basé sur les personnages Eternal Champion de Moorcock et se situait dans un multivers d’univers parallèles, de dimensions et de réalités alternatives, répartis dans le temps et les galaxies. Les chansons parlent de sorciers et de chaos – et bien sûr de guerriers – mais ne racontent pas une histoire claire comme beaucoup d’albums conceptuels. Ils donnent un aperçu de certains aspects du multivers de Moorcock et de ces guerriers qui attendent à la fin des temps une bataille finale. Hawkwind et Moorcock fournissent un récit plus sale et plus chaotique que la plupart des albums conceptuels de prog “début, milieu et fin” soignés et bien rangés qui semblaient caractériser le milieu des années 70. Ils reviendraient avec un autre album concept racontant l’histoire du personnage d’Elric de Moorcock en 1985.
Pour certains, c’est le summum des réalisations du groupe lorsqu’il était au sommet de ses pouvoirs. Ils avaient certainement une formation solide avec Dave Brock et Nik Turner au chant. Brock, la seule constante dans la carrière continue du groupe était à la guitare, bien sûr. La flûte de Turner flotte au-dessus du mix, plus proéminente que sur tout autre disque de Hawkwind, et son saxophone sur les effets est également présent. C’était le dernier disque avec Lemmy à la basse, et juste avant qu’ils ne changent radicalement leur son avec Bob Calvert à la barre. Le multi-instrumentiste Simon House a poussé plus loin l’utilisation par le groupe de générateurs sonores et de synthétiseurs, contribuant également au violon. Cet album présente deux batteurs en Simon King et Allan Powell. Parfois, ils fournissaient un entraînement doublé et à d’autres, l’un ou l’autre se concentrait sur les percussions. La voix de Michael Moorcock saute également de la page vers le studio.
Ce remix de Steven Wilson utilisant les masters originaux était auparavant disponible sur CD, mais maintenant disponible sur vinyle, il a été gravé aux studios Abbey Road. Reconnaissant la valeur esthétique, Atomhenge a recréé l’emblématique pochette à rabat complet qui ressemble à une couverture de bande dessinée fantastique avec style. Lorsqu’il est déplié pour révéler les 4 quartiers, le paysage en miroir d’un guerrier sur un précipice montre une énorme goutte. C’est la limite du temps. Si vous vous éloignez du détail, le paysage ressemble à un casque. C’est une œuvre d’art époustouflante. Un écu orné d’un symbole du chaos constitue le revers. Même si vous pouvez trouver une copie d’occasion de ce disque (près de 50 ans) avec la pochette intacte, les couleurs ne seront tout simplement pas aussi éclatantes !
Assault and Battery commence par une ligne de basse proéminente et un mellotron en plein essor avant que les hauts-de-forme inaugurent le reste du groupe, y compris une flûte proéminente. Le jeu prolifique de flûte de Nik Turner en plus de son saxophone est l’une des caractéristiques de cet album procurant une sensation particulièrement flottante. La voix et le style de guitare reconnaissables de Dave Brock viennent à vous tandis que les synthétiseurs entrent et sortent en créant un paysage marin époustouflant. La guitare et les synthés vous submergent par vagues et il y a un long solo de flûte, qui fonctionnent tous ensemble pour créer un effet planant et planant. La phrase de choeur répétée “Assaut et batterie de l’anatomie humaine” est ponctuée lors de son dernier tour par “homme” juste au cas où vous auriez le moindre doute sur le fait que Hawkwind était un groupe de choix pour les hippies qui avaient refusé d’abandonner les idéaux de la contre-culture.
Avec un fracas de cymbales, Assault et Battery enchaînent sur The Golden Void, le backbeat et les synthés se poursuivant, ce qui donne l’impression d’être une continuation, ce qui est le cas, car il s’agit techniquement d’une bête de piste. Les synthés maintiennent le lien tandis que la batterie et la basse baissent le tempo. Notre protagoniste, qui nous parle par l’intermédiaire de Dave Brock, est transporté quelque part, à un moment donné et la musique crée la sensation d’un voyage. Le mur d’instruments crée une atmosphère tourbillonnante avec des synthétiseurs qui s’envolent et le saxophone qui gazouille. Il vole, mais le « couloir de flammes » est-il dans le ciel, à travers l’espace ou à travers le temps ? La destination devient claire lorsque Brock conclut la chanson et la répétition de “The edge of time” donne à cette mélodie une qualité anthémique et cinématographique. Les différents drones, accords et passages à la basse semblent plus discrets dans ce mélange particulier de l’original, ce qui est dommage car, à mon avis, c’est l’un des points forts de cette chanson. Cet appariement de chansons deviendrait un favori en direct réapparaissant sur des albums live ultérieurs, et Assault & Battery étant une face B en direct du single Zarozinia de 1986.
The Golden Void s’estompe et Michael Moorcock occupe le devant de la scène pour The Wizard Blew His Horn. Sa poésie en écho est à mi-chemin entre le monologue shakespearien et le fou furieux. Les cymbales s’écrasent pour accentuer la sensation de chaos et les synthétiseurs moroses gagnent en intensité. Alors que la voix de Moorcock s’éloigne, les vagues déferlantes prennent le relais. Une façon astucieuse de relier cette piste à la suivante, la mer s’estompant à mesure qu’Opa Loka s’installe.
La batterie et la basse créent un élan vers l’avant qui monte et descend, donnant à Opa Loka une sensation implacable, entraînée par le rythme motorik krautrock. Au fur et à mesure que votre corps entre dans un état de transe, votre esprit est emmené ailleurs. C’est un indice sur la direction que le groupe prendrait dans un avenir proche. Le saxophone, la guitare, le violon et les synthés chargés d’effets fournissent cette atmosphère importante, qui se transforme en spirale dans l’espace Twitter de la marque Hawkwind. Les vagues qui ont amené la chanson se poursuivent alors que la musique s’estompe pour être rejointes par des mouettes alors que la guitare acoustique en arpège de The Demented Man commence. Au moment où la chanson atteint le refrain, la guitare est grattée. C’est un clin d’œil mélancolique et doux aux débuts de Hawkwind. Des synthés doux et des mouettes offrent un fond apaisant tandis que d’autres instruments apparaissent pour rejoindre et quitter la mêlée. On comprend pourquoi cet album était si populaire parmi la foule de personnes du milieu des années 70 cherchant à se détendre.
Dès la face 2, le vent fait monter la tension avant que la guitare saccadée de Dave Brock n’annonce le début de Magnu. Cet hommage à un cheval volant est un éternel favori en direct avec un riff automobile fourni par la guitare, la basse et la batterie tandis que la voix de Brock, le violon de Simon House et le saxo de Turner entrent et sortent au-dessus. Les roulements de tambour prolifèrent pendant le pré-refrain et le refrain planant est suivi d’un riff post-refrain aux sonorités orientales.
Ce son oriental deviendrait une caractéristique plus importante du son de Hawkwind dans les années à venir. Le violon et le saxophone s’affrontent dans une section médiane prolongée jusqu’à ce que la guitare wah wah et les synthés ramènent un retour au couplet. L’une des caractéristiques déterminantes de Hawkwind était de répéter des phrases, musicales ou vocales, pour donner un élan moteur et renforcer leur intensité. Sur Magnu c’est la répétition de « jusqu’à ce que nous diminuions par le règne de la nuit » aux côtés du riff répétitif. Après d’autres batailles entre les instruments qui se disputent l’attention, les percussions syncopées imitent le galop d’un cheval et la chanson se termine enfin sur cette coda. La voix de Brock devient de plus en plus robotique et la musique devient plus frénétique avant de s’estomper.
Beaucoup de chansons de cet album s’estompent plutôt que d’avoir une fin spécifique et j’aimerais savoir combien de temps leurs outros de brouillage ont duré à Rockfield avant que quelqu’un n’appelle l’heure (ou peut-être qu’ils n’avaient plus de bande !).
Le vent passe de Magnu à Standing On The Edge qui est un autre poème sinistre et résonnant sur le bord du temps sur un clavier de battement de cœur. Les effets spatiaux et les synthés de marque jouent tout au long tandis que des tambours dramatiques en plein essor comme ceux d’une cour médiévale hollywoodienne ou d’une scène de bataille accentuent et ponctuent les mots de Turner. C’est sur des morceaux comme celui-ci que ce remix semble vraiment faire son travail en ouvrant le paysage sonore.
Un lazer brûlant d’un clavier démarre Spiral Galaxy 28948 avant la batterie et une basse au son glorieux inaugure une guitare à double grattage qui donne le rythme et signifie le décollage. Cette mélodie spatiale, chargée de clavier et sinueuse aurait facilement pu être le thème d’une émission télévisée de science-fiction des années 70 – quelque part entre Gerry Anderson et Blakes 7. Les synthés de Simon House sont vraiment la vedette du spectacle tandis que la flûte et la batterie ludique agissent comme un casting de soutien. Cela ressemble vraiment à un voyage à travers une galaxie spirale. La chanson se termine en disparaissant à l’horizon comme un OVNI.
Warriors voit le retour de Michael Moorcock en mode full dalek avec la ligne d’ouverture “We are the Warriors at the Edge of Time”. Vous vous attendez à moitié à ce qu’il atteigne cette phrase magique “exterminer”. Encore une fois, des tambours et des percussions retentissants et roulants accentuent les paroles. Les claviers élancés se transforment en sons spatiaux alors que le cri de Moorcock disparaît – comme s’il tombait dans un ravin. Une simple ligne de basse maladroite mène à Dying Seas, rejointe par un clavier bouillonnant, une guitare qui souffle et la double batterie. La basse et la guitare montent en gamme pendant la chanson et il y a des moments où elles empruntent apparemment des phrases musicales à d’autres morceaux de l’album. Les échanges vocaux de Turner avec le violon ou les claviers en tête. Encore une fois, un jam groovy quelque peu discordant avec beaucoup de saxo de Turner s’estompe pour clôturer la chanson.
Une guitare carillonnante et une glissière de médiator lancent l’album plus près de Kings of Speed. Formé autour d’un autre riff soufflant, il a une touche de boogie. Cela ressemble presque à Status Quo dans son approche basée sur le blues, mais avec le mur Hawkwind supplémentaire de claviers et de synthés qui culbutent et montent. Un solo de guitare soigné mais simpliste est superposé sur une cloche de vache, puis complété par un violon au son résolument folklorique. Kings of Speed ne concernait pas l’amphétamine (une drogue qui conduirait le groupe à se séparer de Lemmy et donnerait au monde Motörhead) mais à propos de divers personnages de Moorcock prenant un vol spatial. Moorcock est crédité d’avoir écrit des paroles par diverses sources en ligne, bien que seul Brock soit crédité sur l’album.
Le remix de Steve Wilson a plus de profondeur et de plage dynamique et le mur d’instruments semble avoir plus de clarté et de séparation. Vous pouvez entendre plus de ce qui se passe, ce qui rend cet album immersif encore plus une expérience d’écoute. À un ou deux endroits, la merveilleuse basse Thunderbird de Lemmy est empêchée de percer. Cela ne semble pas terrible car ce n’est que dans quelques endroits, mais à mon avis, c’est dommage. Pour certains, cela peut être un prix à payer pour obtenir un mélange moins boueux, mais certains puristes peuvent ne pas être satisfaits. Les périls de quiconque jouant avec l’artefact original !
Il y a une armée chaotique de fans de Hawkwind qui apprécieront cette opportunité de se procurer un exemplaire neuf de ce disque et de sa pochette sans avoir à négocier les périls du marché coûteux de l’occasion. Certains collectionneurs voudront compléter l’ensemble, en le classant aux côtés de leur original tant aimé.
Disponible depuis Atomhenge
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Paroles de Nathan Brown. Vous pouvez en savoir plus sur Nathan dans ses archives Louder Than War ici.